Kiko Morales: Die Architektur des Durchhaltens

Einleitung

Kiko Morales, 1996 als Francisco Morales Muñoz in Doña Mencía, Spanien, geboren, ist ein zeitgenössischer figurativer Künstler, der an der Alonso-Cano-Fakultät für Bildende Künste der Universität Granada ausgebildet wurde. Im Mittelpunkt seiner Praxis steht vor allem die Zeichnung auf Papier, wobei er schwarzen Kugelschreiber, Buntstifte und zurückhaltend eingesetzte Acrylfarbe miteinander verbindet. Bereits früh entwickelte sich sein Werk aus einer unverwechselbaren Verbindung von anatomischer Präzision, symbolischer Bildsprache, botanischen Formen und psychologisch aufgeladenen Darstellungen von Menschen und Tieren.

Durch die von Pashmin Art Consortia organisierten Ausstellungen wurde Morales’ Werk zunehmend in einen internationalen Kontext eingebunden. Er nahm 2023–2024 an „Transcendence: A Fusion of Art and Culture“ im Hong Art Museum in Chongqing, China, sowie 2025 an „Reflections and Resonances“ in den Museen der Schloss- und Residenzstadt Greiz in Deutschland teil. Eine weitere Ausstellung im Kunsthaus Weiz in Österreich ist für den Zeitraum vom 24. September bis zum 7. November 2026 vorgesehen. Alle diese Ausstellungen wurden in Zusammenarbeit mit Pashmin Art Consortia organisiert und kuratiert.

Figuration als Ethik der Aufmerksamkeit

Morales’ Zeichnungen entwerfen Welten, in denen Verletzlichkeit weder verborgen noch in ein Spektakel verwandelt wird. Mithilfe von Körpern, Tieren, Organen, Blumen, Himmelszeichen und gesellschaftlich aufgeladenen Objekten schafft er streng kontrollierte Kompositionen, die sich häufig entlang einer ausgeprägten vertikalen Achse entwickeln. Diese Anordnungen erinnern an Altäre, anatomische Schaubilder, Stammbäume oder psychologische Landkarten.

Obwohl die Werke figurativ sind, funktionieren sie nicht wie konventionelle Erzählungen. Ihre Bestandteile werden übereinandergestapelt, gespiegelt, miteinander verflochten oder aneinandergebunden und bilden dadurch eher Systeme als Szenen. Menschliches und tierisches Leben ist der Zeit, der Krankheit, dem Begehren, dem Neid, der Einsamkeit und dem gesellschaftlichen Urteil ausgesetzt. Morales’ Thema ist daher nicht lediglich das Leiden, sondern vielmehr die Strukturen, durch die Leiden erfahren und getragen wird.

Die weißen Hintergründe mehrerer Zeichnungen verstärken dieses Gefühl des Eingeschlossenseins. Alles Wesentliche ereignet sich innerhalb des zentralen Bildkörpers, während die umgebende Leere keinen erkennbaren Fluchtweg eröffnet. In den dunkleren Werken erzeugen dichte Vegetation und kosmische Räume ähnlich geschlossene Umgebungen. Morales lädt den Betrachter nicht dazu ein, eine offene Landschaft zu betreten; vielmehr fordert er uns auf, uns mit einem Zustand auseinanderzusetzen.

Tierfabeln: Einsamkeit, Anstrengung und gesellschaftlicher Schein

Diese strukturelle Logik tritt in „A Lonely Road“ besonders deutlich hervor. Am unteren Ende der Komposition blickt ein Leopard den Betrachter mit unbeirrbarem grünen Blick an, während schlangenartige Formen seinen Körper fesseln. Über ihm erhebt sich eine spröde, baumartige Struktur, die von Mäusen, Vögeln, einer Sanduhr und einem schwebenden Fötus bevölkert wird. Der Lebensweg verwandelt sich in eine instabile Ökologie, in der sich Lebewesen versammeln, voneinander trennen, einander verzehren und ausharren, während die Zeit im Zentrum stillzustehen scheint.

Morales beschreibt das Werk als eine Fabel über die menschliche Lebensreise, die in der Gesellschaft vieler Menschen beginnt und schließlich nur mit jenen endet, die uns wirklich wertschätzen. Das Bild bietet keine sentimentale Auflösung. Einsamkeit wird nicht als leere Landschaft dargestellt, sondern als ein dichtes System, in dem körperliche Nähe emotionale Isolation nicht zwangsläufig verhindert.

„Luck or Constancy?“ verwendet eine ähnliche vertikale Anhäufung, jedoch mit einem stärker satirischen Ton. Eine große Katze bildet das Fundament der Komposition, während sich Mäuse über ihrem Kopf drängen, Chamäleons ihre Beute ergreifen, körperlose Augen zwischen den Zweigen erscheinen und ein Marienkäfer von einem Kranz aus vierblättrigen Kleeblättern umschlossen wird. Symbole, die traditionell mit Glück verbunden werden, nehmen den höchsten Punkt ein. Die gesamte Komposition wird jedoch von Wachsamkeit, Verlangen, Kampf und Beharrlichkeit getragen.

Der Künstler versteht das Werk als Kritik daran, dass Erfolge häufig auf bloßes Glück reduziert werden, insbesondere von Menschen, die den dahinterstehenden Aufwand nicht anerkennen wollen. Die im Titel formulierte Frage bleibt unbeantwortet. Das Glück mag das Bild bekrönen, doch die Beständigkeit scheint sein gesamtes Gewicht zu tragen.

Die Gesellschaftskritik wird in „True to Ourselves“ noch deutlicher. Ein Husky trägt eine Waage, auf der ein Herz und ein Gehirn gegeneinander abgewogen werden. Darüber hantieren Affen mit Geld, einer Maske und einem Schlüssel; außerdem sehen wir einen Affen in einem Spiegel. An der Spitze sind zwei freigelegte Gehirne mit einem verletzten, farbenprächtigen Herzen verbunden und werden von einem dornenartigen Band durchzogen.

Das Werk richtet sich gegen Menschen, die ihre Identität für die öffentliche Anerkennung konstruieren, über ihre finanziellen Verhältnisse leben und vorgeben, etwas zu sein, das sie in Wirklichkeit nicht sind, um gesellschaftliche Akzeptanz zu erlangen. Morales übersetzt dieses Verhalten in eine Hierarchie des Bewertens und Zurschaustellens. Spiegel, Maske, Geld und Waage lassen vermuten, dass Identität zu etwas geworden ist, das vermessen, gekauft, verborgen und beurteilt werden kann. Im Gegensatz dazu vermittelt der direkte Blick des Hundes eine tierische Präsenz, die weniger gespalten erscheint als die über ihm angeordneten menschlichen Gesellschaftsstrukturen.

Die Serie „Resilience“: Krankheit und Erneuerung

Die ausgewählten Arbeiten aus der 2019 entstandenen Serie „Resilience“ verlagern die Frage des Durchhaltens unmittelbar in den menschlichen Körper. In „Resilience (Breast Cancer)“, „Resilience (Colon Cancer)“ und „Resilience (Lung Cancer)“ stehen nackte Frauen vor schmucklosen weißen Hintergründen. Ihre Körper sind weitgehend monochrom dargestellt, während Blumen und erkrankte Organe in konzentrierter Farbigkeit hervortreten.

Dieser Kontrast besitzt eine starke visuelle Schönheit, doch die Werke verweigern sich dekorativer Beschwichtigung. Die Anatomie bleibt offengelegt, und die Blumen lassen die Krankheit nicht verschwinden; vielmehr teilen sie mit ihr denselben körperlichen Raum. Morales konzipierte die Serie als Hommage an seine Mutter, die ihre Krebserkrankung überwunden hat, sowie an die neue Chance, die Menschen erhalten, die diese Krankheit überleben. Dieser persönliche Ursprung verleiht den Arbeiten Zärtlichkeit, während ihre frontale Darstellung verhindert, dass diese Zärtlichkeit in Mitleid umschlägt.

Jedes Bild verortet Verletzlichkeit auf andere Weise. In „Resilience (Breast Cancer)“ breiten sich Blumen über die Brust aus und ziehen sich am Oberkörper hinab, wodurch der erkrankte Bereich zu einem Ort fortgesetzten Wachstums wird. In „Resilience (Colon Cancer)“ erscheinen die Eingeweide eindringlich innerhalb eines Blumenarrangements, das die Figur eng an ihren Körper hält, als würde sie ihr eigenes Inneres gleichzeitig schützen und präsentieren. In „Resilience (Lung Cancer)“ öffnet sich der Brustkorb zu einer dichten Anordnung aus Lunge, Herz, Blumen und Blättern.

Die gefassten Gesichtsausdrücke der Frauen setzen der Gewalt der anatomischen Bloßlegung etwas entgegen. Resilienz bedeutet hier nicht die Rückkehr in einen unversehrten Zustand. Sie bedeutet, in einem Körper präsent zu bleiben, der verändert, untersucht und bedroht wurde. Die Blumen existieren gemeinsam mit der Krankheit, während die Ruhe der Figuren Resilienz weniger als heroischen Sieg denn als Weigerung erscheinen lässt, zu verschwinden.

Verletzlichkeit in Beziehungen: Freundschaft und Gefangenschaft

Morales überträgt seine Auseinandersetzung mit körperlicher Verletzlichkeit in „Έκλειψη (Eclipse)“ und „Έλα (Come)“ auf den Bereich emotionaler Abhängigkeit.

„Έκλειψη“ wird vom Künstler als Ode an die wahre Freundschaft und als Geste der Dankbarkeit gegenüber jenen Menschen beschrieben, die uns unterstützen, wenn das Leben dunkel wird. Zwei Frauen halten einander im Zentrum eines dichten nächtlichen Gartens, der von Vögeln, krokodilartigen Wesen, Blumen und einem bewachten Herzen bevölkert wird. Über ihnen stehen sich zwei Vögel innerhalb einer goldenen Sonnenfinsternis gegenüber, begleitet von einem Schlüssel.

Die umgebenden Lebewesen sind mehr als bloße Dekoration. Sie schaffen eine Atmosphäre von Gefahr und Schutz, in der Intimität zu einer Form des Zufluchtsorts wird, ohne jedoch eine Flucht aus der Dunkelheit zu ermöglichen. Die Sonnenfinsternis deutet auf eine vorübergehende Unterbrechung des Lichts hin: einen schwierigen Zustand, der durch die Gegenwart eines anderen Menschen ausgehalten werden kann.

„Έλα“ zeigt dagegen eine beunruhigendere Beziehungssituation. Morales beschreibt das Werk als die Geschichte einer misshandelten Frau, die weiß, dass sie gehen muss, jedoch von einem zerstörerischen Begehren gefangen gehalten wird, das sie langsam verzehrt. Die zentrale Figur vervielfacht sich durch mehrere Arme, von denen einige zu ihr gehören, während andere von außerhalb der Komposition in das Bild eindringen. Schlangen winden sich um ihre Körper, Fische bewegen sich unterhalb der Mondphasen, und der Brustkorb öffnet sich, um Herz und Rippen freizulegen.

Der Titel „Come“ erhält dadurch eine schmerzhaft mehrdeutige Bedeutung. Er kann eine Einladung, einen Befehl, eine Versuchung oder den Aufruf zur Rückkehr bezeichnen. Anders als in „Έκλειψη“, wo Nähe Unterstützung bietet, zeigt „Έλα“, wie Intimität zu Verstrickung wird. Der Körper ist von Berührungen umgeben, doch keine dieser Berührungen garantiert Sicherheit.

Kontrollierte Technik, ungelöste Bedeutung

In diesen Werken verbindet Morales immer wieder visuelle Präzision mit moralischer Ungewissheit. Seine Linienführung ist diszipliniert, seine Kompositionen sind zentral organisiert, und seine Farbpalette ist sorgfältig begrenzt. Der selektive Einsatz von Farbe hebt Organe, Blumen, Augen und symbolische Objekte hervor, ohne die zugrunde liegende Zeichnung zu überlagern. Farbe wird zu einem Zeichen von Druck und psychologischer Spannung und nicht zu einem bloßen dekorativen Element.

Dennoch bleiben die von den Bildern aufgeworfenen Fragen offen. Wird Erfolg erarbeitet oder gewährt? Schützt Gemeinschaft vor Einsamkeit? Kann Schönheit mit Krankheit koexistieren, ohne diese zu verbergen? Wann wird Bindung zu Gefangenschaft? Morales beantwortet diese Fragen nicht durch festgelegte allegorische Bedeutungen. Tiere, Blumen, Organe, Masken, Himmelszeichen und anatomische Formen treten vielmehr als Beteiligte innerhalb größerer psychologischer und gesellschaftlicher Systeme auf.

Die stille Kraft des Durchhaltens

Was die Serie letztlich verbindet, ist eine Ethik des Betrachtens. Morales fordert den Betrachter dazu auf, bei offengelegten Zuständen zu verweilen, anstatt sie vorschnell in Erlösung, Tragödie oder Spektakel zu verwandeln. Seine Figuren flehen nicht, und seine Tiere veranschaulichen nicht lediglich menschliche Eigenschaften. Sie behaupten ihre Positionen.

In dieser anhaltenden Stille wird das Durchhalten zur zentralen Handlung der Werke: zur Fähigkeit, in einem verwundeten Körper, einer unsicheren Identität, einer ungleichen Beziehung oder auf einem einsamen Weg zu bestehen, ohne aus dem Blickfeld zu verschwinden. Morales’ Zeichnungen versprechen keine Auflösung. Ihre Kraft entsteht aus der Ernsthaftigkeit, mit der sie bei dem verweilen, was sich nicht ohne Weiteres reparieren, erklären oder überwinden lässt.

Dr. Davood Khazaie
(Literatur- und Kunstkritiker sowie internationaler Kurator)

Webseite Kiko Morales